Sicilia Contemporanea
Ho avuto diverse esperienze di ricerca universitaria e pubblicato interventi di critica letteraria.
Aver viaggiato, mi ha fatto pensare a un modo diverso di leggere la letteratura italiana del Novecento, arricchendo i miei strumenti critici con le idee di studiosi come Edward Said e Homi K. Bhabha.
Poi l’attività di insegnante mi ha impegnato e coinvolto: la sto vivendo come una “missione” importante, come un impegno culturale all’interno della società.
Sono convinto che la cultura debba essere diffusa, condivisa, debba circolare dal basso: solo così sarà l’elemento motore di sviluppo individuale e collettivo.
I corsi di Sicilia Contemporanea sono ispirati da quest’idea di condivisione e di coinvolgimento. I corsisti hanno modo di mettersi in gioco e farsi portatori e custodi di un poco di questo patrimonio culturale, di cui fare buon uso, da cui imparare qualcosa di utile per sé.
Leggeremo, osserveremo, discuteremo: quindi avremo molte cose da scrivere. Saremo pronti ad affrontare il processo della scrittura, che richiede chiarezza di idee, conoscenza della lingua, strategia comunicativa, sensibilità artistica.
Un lavoro affascinante che, nell’incontro fra persone diverse, può dare grandi e piccole soddisfazioni.
Lorenzo Perrona è critico letterario e traduttore (ha pubblicato su “Nuovi Argomenti”, “Corriere del Ticino”, e con le case editrici Le Lettere, Jaca Book, Mursia, Rodopi, Monash University e-Press) ed ha una vasta esperienza di insegnamento nelle scuole in Italia, Svizzera e Australia.
martedì 29 aprile 2014
lunedì 28 aprile 2014
Una recensione critica (2-2-2013)
Sicilia Contemporanea
Steve McCurry, la forza violenta di uno scatto
A Palazzo Ducale di Genova è stata prorogata al 7 aprile 2013 la mostra del fotografo americano Steve McCurry, Icons. Di grande effetto per la sua spettacolarità, la mostra è un’ottima occasione per riflettere sulle scelte culturali che la logica dei “grandi eventi” implicitamente impone.
Organizzata con dovizia di mezzi da Civita e Palazzo Ducale, il titolo italiano Viaggio intorno all’uomo risulta meno pregnante e vigoroso di quello inglese. Lo stile di McCurry si impone con la forza del colore e con la forza, quasi subdola, della determinazione ad appropriarsi del mondo. Reporter di guerra e di viaggi. Reporter-mito: forse l’ultimo fotografo che si è mosso nel mondo come un cacciatore in cerca di prede, che poi mette a disposizione del nostro occhio come trofei. Ha percorso il villaggio globale, ne ha gustato le meraviglie (o gli orrori), e ne ha tratto immagini talmente nette e forti da essere perfette per la diffusione attraverso i mass media. La dizzyness, la vertigine perturbante colta dal reporter di guerra, così come la poetry, la poeticità delle immagini virtuosisticamente composte nell’occhio del fotografo, stanno a rappresentare un mondo a nostra completa disposizione, senza segreti. E se ci sono segreti, saranno presto svelati.
Ma il problema che McCurry non risolve è quello del distacco critico rispetto al proprio modus operandi. Perché ci mostra un bambino piangente che si punta una pistola alla tempia? Perché quel cadavere arso e irrigidito, le braccia aperte rivolte al cielo, accanto alle carcasse di carri armati nel deserto? Non basta dire che queste immagini forti sono una denuncia contro l’orrore della guerra. Le immagini registrano in modo talmente fedele la violenza che, inconsapevolmente, se ne fanno portatrici, non si limitano a rappresentarla.
Non a caso nel suo progetto più coerente, The Last Roll, è chiara la centralità del medium, il mitico ultimo rullino di pellicola Kodakrome. In quel mondo di tonalità cromatiche, McCurry ha racchiuso un’affascinante galleria di volti, tutti prestigiosi, perché tutti “icone”: sono esposte, una a fianco all’altra, personalità di notorietà mondiale, come Aung San Suu Kyi o Robert De Niro, e volti di sconosciuti, come il pastore afgano dalla barba tinta di rosso o il giovane catanese con la coppola e i baffetti ben curati o il neonato tibetano incastonato nella sua coperta multicolore o la giovinetta afgana dagli occhi verdi e lo scialle bruciacchiato color vinaccia. Quest’ultima giovane sconosciuta è stata colta nel 1984 alla scuola del campo profughi di Nasir Bagh vicino a Peshawar, Pakistan. Ha negli occhi la forza e la leggiadria della giovinezza e la paura della guerra. Ha fatto il giro del mondo sulla copertina del “National Geographic”. Quasi trent’anni dopo, un documentario televisivo, posto nell’ultima sala della mostra: un dispiegamento di forze (informatori, analisti dell’FBI ecc.) alla ricerca della prova dell’identità di quella sconosciuta giovinetta, ormai diventata donna e madre in un paese martoriato da guerre e bombardamenti, e icona nei nostri paesi dove le guerre, per fortuna, non sono più guerreggiate. La ricerca della sua identità, così esibita, non annienta forse la persona che è stata quella giovinetta, le sue caute, intelligenti
parole di oggi, la sua vita segnata dalla guerra? Il livello del discorso che lo stesso McCurry e i suoi curatori hanno scelto, se da una parte assicura un alto numero di visitatori, dall’altra suscita qualche perplessità.
(Lorenzo Perrona, "Corriere del Ticino", 2-2-2013)
Steve McCurry, la forza violenta di uno scatto
A Palazzo Ducale di Genova è stata prorogata al 7 aprile 2013 la mostra del fotografo americano Steve McCurry, Icons. Di grande effetto per la sua spettacolarità, la mostra è un’ottima occasione per riflettere sulle scelte culturali che la logica dei “grandi eventi” implicitamente impone.
Organizzata con dovizia di mezzi da Civita e Palazzo Ducale, il titolo italiano Viaggio intorno all’uomo risulta meno pregnante e vigoroso di quello inglese. Lo stile di McCurry si impone con la forza del colore e con la forza, quasi subdola, della determinazione ad appropriarsi del mondo. Reporter di guerra e di viaggi. Reporter-mito: forse l’ultimo fotografo che si è mosso nel mondo come un cacciatore in cerca di prede, che poi mette a disposizione del nostro occhio come trofei. Ha percorso il villaggio globale, ne ha gustato le meraviglie (o gli orrori), e ne ha tratto immagini talmente nette e forti da essere perfette per la diffusione attraverso i mass media. La dizzyness, la vertigine perturbante colta dal reporter di guerra, così come la poetry, la poeticità delle immagini virtuosisticamente composte nell’occhio del fotografo, stanno a rappresentare un mondo a nostra completa disposizione, senza segreti. E se ci sono segreti, saranno presto svelati.
Ma il problema che McCurry non risolve è quello del distacco critico rispetto al proprio modus operandi. Perché ci mostra un bambino piangente che si punta una pistola alla tempia? Perché quel cadavere arso e irrigidito, le braccia aperte rivolte al cielo, accanto alle carcasse di carri armati nel deserto? Non basta dire che queste immagini forti sono una denuncia contro l’orrore della guerra. Le immagini registrano in modo talmente fedele la violenza che, inconsapevolmente, se ne fanno portatrici, non si limitano a rappresentarla.
Non a caso nel suo progetto più coerente, The Last Roll, è chiara la centralità del medium, il mitico ultimo rullino di pellicola Kodakrome. In quel mondo di tonalità cromatiche, McCurry ha racchiuso un’affascinante galleria di volti, tutti prestigiosi, perché tutti “icone”: sono esposte, una a fianco all’altra, personalità di notorietà mondiale, come Aung San Suu Kyi o Robert De Niro, e volti di sconosciuti, come il pastore afgano dalla barba tinta di rosso o il giovane catanese con la coppola e i baffetti ben curati o il neonato tibetano incastonato nella sua coperta multicolore o la giovinetta afgana dagli occhi verdi e lo scialle bruciacchiato color vinaccia. Quest’ultima giovane sconosciuta è stata colta nel 1984 alla scuola del campo profughi di Nasir Bagh vicino a Peshawar, Pakistan. Ha negli occhi la forza e la leggiadria della giovinezza e la paura della guerra. Ha fatto il giro del mondo sulla copertina del “National Geographic”. Quasi trent’anni dopo, un documentario televisivo, posto nell’ultima sala della mostra: un dispiegamento di forze (informatori, analisti dell’FBI ecc.) alla ricerca della prova dell’identità di quella sconosciuta giovinetta, ormai diventata donna e madre in un paese martoriato da guerre e bombardamenti, e icona nei nostri paesi dove le guerre, per fortuna, non sono più guerreggiate. La ricerca della sua identità, così esibita, non annienta forse la persona che è stata quella giovinetta, le sue caute, intelligenti
parole di oggi, la sua vita segnata dalla guerra? Il livello del discorso che lo stesso McCurry e i suoi curatori hanno scelto, se da una parte assicura un alto numero di visitatori, dall’altra suscita qualche perplessità.
(Lorenzo Perrona, "Corriere del Ticino", 2-2-2013)
Una mostra di arte contemporanea: la recensione (4-8-2012)
Sicilia Contemporanea
La recensione giornalistica è una forma di scrittura professionale molto diffusa.
Eccone una, a mo' di presentazione.
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A Palazzo Ducale di Genova fino al 26 agosto 2012
Yves Klein fra l'illusione e la quotidianità
Salto nel vuoto (1960)
Molta parte dell’avanguardia artistica di secondo Novecento è stata animata da una curiosità intellettuale e da una lucidità creativa che l’hanno portata a confrontarsi con il rigore formale e con alcune idee radicali tratte dalle culture dell’Estremo oriente: basti pensare al silenzio di derivazione zen in un musicista come John Cage, o alla casualità, in un coreografo come Merce Cunningham. La mostra a Palazzo Ducale di Genova entra nel lavoro di Yves Klein proprio attraverso una simile “disciplina”. Il giovane Klein divenne maestro di Judo a Tokyo e pubblicò nel 1954 I fondamenti del Judo, che fu allora il primo manuale europeo sullo studio dei Kata.
Yves Klein maestro di judo.
Ecco da dove nasce quella che per Yves Klein è l’idea centrale: lo spazio vuoto in cui la realtà manifesta tutti i suoi eventi. I monocromi di luminoso blu oltremare (il colore da lui brevettato col nome di IKB-International Klein Blue) sono “lo spazio stesso” reso come puro colore. La straordinaria e famosa fotografia del “pittore dello spazio che si getta nel vuoto” è davvero il compendio del fare arte di Klein e, notano i curatori della mostra Bruno Corà e Sergio Maifredi, è sintesi dei suoi anni di esercizio in kimono e del suo teatro della crudeltà. Come colse puntualmente Pierre Restany, l’impronta della modella sulla tela bianca è “l’impronta del judoka che cade sul tatami”. Lo stesso Klein, negli scritti e documenti presentati in mostra, si spiega con chiarezza. “Quello che mi interessa nel Judo, quello che mi appassiona, è il Movimento, il fine del Movimento che è sempre astratto e puramente spirituale”.
Come si vede, il Judo è davvero una via d’accesso al pensiero e al mondo di Klein, che sono intrinsecamente costituiti come azione teatrale. L’altra via di accesso è la lettura dei suoi scritti teorici nel volume Verso l’immateriale dell’arte (O barra O Edizioni, Milano 2009) oppure portandosi a casa un oggetto della mostra, manifesto teorico e opera immateriale, cioè la riproduzione distribuita in mostra di Dimanche, il giornale di un solo giorno che Klein concepì e scrisse in occasione del Festival delle Arti d’Avanguardia, il 27 novembre 1960, e che contiene il suo pensiero teatrale e al tempo stesso diviene azione teatrale, “teatro del vuoto”. L’intera Parigi, con tutti i suoi abitanti consapevoli o inconsapevoli – “ma anche la campagna, il deserto, la montagna, il cielo stesso, e lo stesso universo, perché no?” – dalle 0 alle 24 di quel giorno, sarebbero stati “una forma ultima di teatro collettivo: Una domenica per tutti. […] Un giorno glorioso di realismo e verità”.
Capiamo meglio il senso di operazioni che gli anni ’60 hanno lasciato in eredità alla memoria collettiva più come curioso avanguardismo che non come rigorosa messa a punto delle nostre coordinate culturali: sulle pareti della sala dedicata alle Antropometrie e ai fire paintings sono proiettate le immagini della performance durante la quale le modelle imbrattate di colore blu, sotto l’attenta regia di Yves e al suono della sua Sinfonia Monotòna, lasciano le tracce dei loro corpi sulla tela bianca oppure, usando un colore “simpatico”, su di un supporto dove successivamente Yves rivela con un lanciafiamme i calchi dei corpi umani, come quelli stampati sul muro dall’esplosione atomica.
Quello che interessa Klein è il segno/concetto del movimento del corpo. Si tratta di corpi vivi, il corpo dell’artista, gran cerimoniere, e quello della modella: “Vieni nel vuoto con me”, scrive Yves in una delle sue dichiarazioni di poetica. E precisa: “Il modello nudo porta sensualità nell’atmosfera. Attenzione! Non sessualità! Il modello crea nell’atelier il clima sensuale che permette di stabilizzare la materia pittorica”. Esistono quindi per lui lo spazio immateriale e il corpo, che devono stabilizzarsi, farsi segno, impregnandosi di sensibilità pittorica.
Nelle sale della mostra dedicate all’Immateriale, sono illustrati lo slancio visionario e la misura di una forma o di un procedimento, che fa di Klein l’iniziatore del concettuale. Egli mise in vendita, attraverso una procedura nello stesso tempo burocratica ed eversiva, opere immateriali o biglietti per spettacoli teatrali in-visibili: l’acquirente (Dino Buzzati e Lucio Fontana furono fra coloro che vollero partecipare al rituale) versava il prezzo dell’opera in oro, ricevendone regolare ricevuta e diventando legittimo proprietario di uno spazio o di un evento immateriali; e il valore dell’oro veniva dissolto gettandolo nella Senna.
La mostra fa anche conoscere alcuni momenti della vita privata di Klein, che si inseriscono perfettamente nel suo lavoro artistico e, se cene fosse bisogno, avvertono che la sua spavalda sperimentazione era sostanziata da un vissuto che chiede solo ascolto e rispetto. A partire dalle opere dei genitori Marie Raymond e Fred Klein, pittori entrambi, fino all’unione con l’artista e compagna Rotraut, e fino alla privata devozione per una santa aerea e fluttuante nel vuoto, Rita da Cascia. Il suo gusto per il cerimoniale si fa esplicito e preponderante nel video della cerimonia delle sue nozze con Rotraut, realtà esaltata e celebrata dalla messinscena, con il corteggio dei Cavalieri di Malta, i mantelli, gli stendardi, gli squilli di tromba e i fasci di luce che tagliano la navata della chiesa a indicare il percorso degli sposi.
Forse la sua ricerca si fece qui più inquieta, pressante, divenne un impellente bisogno di sublime, di trascendente, e sfociò nella devozione privata, con lo straordinario ex voto, una scatolina di plexiglass a tre scomparti con pigmenti rosso blu e oro (forse parte dell’oro che aveva acquistato le opere immateriali), ritrovato a Cascia nel santuario di santa Rita.
Ma dalle informazioni della mostra emerge un altro episodio, minore ma significativo – e questa volta decisamente infausto e persino imbarazzante. Nel 1961 Klein incappò in una produzione cinematografica italiana, ideata dal giornalista e documentarista Gualtiero Jacopetti. Il giornalista riuscì a conquistarsi la fiducia dell’artista e filmò la performance di una Antropometria. Quando Klein assistette alla prima del film Mondo cane al Festival di Cannes del 1962 si trovò di fronte ad un gretto travisamento del suo lavoro, presentato come una frivola bizzarria. Il delicato e personalissimo percorso artistico-filosofico di Klein incappò in un’operazione di tipo ironico-reazionario di italica fattura, volta a leggere la contemporaneità come un ammasso di eccentricità ora risibili ora deprecabili (un film che aprì la strada ad un filone anche più deteriore che ebbe un certo seguito di pubblico negli anni ’60 e ‘70, i Mondo Movies o documentari shock). Fatto sta che, all’uscita della proiezione, Klein ebbe un primo attacco cardiaco e poche settimane dopo, il 6 giugno 1962, morì a soli 34 anni. Per questo la bella mostra genovese, oltre a offrire materiali e argomenti per una nuova riflessione sull’avanguardia che è diventata storia, a cinquant’anni dalla morte di Yves Klein è anche una tardiva riparazione.
(Lorenzo Perrona, "Corriere del Ticino", 4-8-2012)
La recensione giornalistica è una forma di scrittura professionale molto diffusa.
Eccone una, a mo' di presentazione.
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A Palazzo Ducale di Genova fino al 26 agosto 2012
Yves Klein fra l'illusione e la quotidianità
Molta parte dell’avanguardia artistica di secondo Novecento è stata animata da una curiosità intellettuale e da una lucidità creativa che l’hanno portata a confrontarsi con il rigore formale e con alcune idee radicali tratte dalle culture dell’Estremo oriente: basti pensare al silenzio di derivazione zen in un musicista come John Cage, o alla casualità, in un coreografo come Merce Cunningham. La mostra a Palazzo Ducale di Genova entra nel lavoro di Yves Klein proprio attraverso una simile “disciplina”. Il giovane Klein divenne maestro di Judo a Tokyo e pubblicò nel 1954 I fondamenti del Judo, che fu allora il primo manuale europeo sullo studio dei Kata.
Ecco da dove nasce quella che per Yves Klein è l’idea centrale: lo spazio vuoto in cui la realtà manifesta tutti i suoi eventi. I monocromi di luminoso blu oltremare (il colore da lui brevettato col nome di IKB-International Klein Blue) sono “lo spazio stesso” reso come puro colore. La straordinaria e famosa fotografia del “pittore dello spazio che si getta nel vuoto” è davvero il compendio del fare arte di Klein e, notano i curatori della mostra Bruno Corà e Sergio Maifredi, è sintesi dei suoi anni di esercizio in kimono e del suo teatro della crudeltà. Come colse puntualmente Pierre Restany, l’impronta della modella sulla tela bianca è “l’impronta del judoka che cade sul tatami”. Lo stesso Klein, negli scritti e documenti presentati in mostra, si spiega con chiarezza. “Quello che mi interessa nel Judo, quello che mi appassiona, è il Movimento, il fine del Movimento che è sempre astratto e puramente spirituale”.
Come si vede, il Judo è davvero una via d’accesso al pensiero e al mondo di Klein, che sono intrinsecamente costituiti come azione teatrale. L’altra via di accesso è la lettura dei suoi scritti teorici nel volume Verso l’immateriale dell’arte (O barra O Edizioni, Milano 2009) oppure portandosi a casa un oggetto della mostra, manifesto teorico e opera immateriale, cioè la riproduzione distribuita in mostra di Dimanche, il giornale di un solo giorno che Klein concepì e scrisse in occasione del Festival delle Arti d’Avanguardia, il 27 novembre 1960, e che contiene il suo pensiero teatrale e al tempo stesso diviene azione teatrale, “teatro del vuoto”. L’intera Parigi, con tutti i suoi abitanti consapevoli o inconsapevoli – “ma anche la campagna, il deserto, la montagna, il cielo stesso, e lo stesso universo, perché no?” – dalle 0 alle 24 di quel giorno, sarebbero stati “una forma ultima di teatro collettivo: Una domenica per tutti. […] Un giorno glorioso di realismo e verità”.
Capiamo meglio il senso di operazioni che gli anni ’60 hanno lasciato in eredità alla memoria collettiva più come curioso avanguardismo che non come rigorosa messa a punto delle nostre coordinate culturali: sulle pareti della sala dedicata alle Antropometrie e ai fire paintings sono proiettate le immagini della performance durante la quale le modelle imbrattate di colore blu, sotto l’attenta regia di Yves e al suono della sua Sinfonia Monotòna, lasciano le tracce dei loro corpi sulla tela bianca oppure, usando un colore “simpatico”, su di un supporto dove successivamente Yves rivela con un lanciafiamme i calchi dei corpi umani, come quelli stampati sul muro dall’esplosione atomica.
Quello che interessa Klein è il segno/concetto del movimento del corpo. Si tratta di corpi vivi, il corpo dell’artista, gran cerimoniere, e quello della modella: “Vieni nel vuoto con me”, scrive Yves in una delle sue dichiarazioni di poetica. E precisa: “Il modello nudo porta sensualità nell’atmosfera. Attenzione! Non sessualità! Il modello crea nell’atelier il clima sensuale che permette di stabilizzare la materia pittorica”. Esistono quindi per lui lo spazio immateriale e il corpo, che devono stabilizzarsi, farsi segno, impregnandosi di sensibilità pittorica.
Nelle sale della mostra dedicate all’Immateriale, sono illustrati lo slancio visionario e la misura di una forma o di un procedimento, che fa di Klein l’iniziatore del concettuale. Egli mise in vendita, attraverso una procedura nello stesso tempo burocratica ed eversiva, opere immateriali o biglietti per spettacoli teatrali in-visibili: l’acquirente (Dino Buzzati e Lucio Fontana furono fra coloro che vollero partecipare al rituale) versava il prezzo dell’opera in oro, ricevendone regolare ricevuta e diventando legittimo proprietario di uno spazio o di un evento immateriali; e il valore dell’oro veniva dissolto gettandolo nella Senna.
La mostra fa anche conoscere alcuni momenti della vita privata di Klein, che si inseriscono perfettamente nel suo lavoro artistico e, se cene fosse bisogno, avvertono che la sua spavalda sperimentazione era sostanziata da un vissuto che chiede solo ascolto e rispetto. A partire dalle opere dei genitori Marie Raymond e Fred Klein, pittori entrambi, fino all’unione con l’artista e compagna Rotraut, e fino alla privata devozione per una santa aerea e fluttuante nel vuoto, Rita da Cascia. Il suo gusto per il cerimoniale si fa esplicito e preponderante nel video della cerimonia delle sue nozze con Rotraut, realtà esaltata e celebrata dalla messinscena, con il corteggio dei Cavalieri di Malta, i mantelli, gli stendardi, gli squilli di tromba e i fasci di luce che tagliano la navata della chiesa a indicare il percorso degli sposi.
Forse la sua ricerca si fece qui più inquieta, pressante, divenne un impellente bisogno di sublime, di trascendente, e sfociò nella devozione privata, con lo straordinario ex voto, una scatolina di plexiglass a tre scomparti con pigmenti rosso blu e oro (forse parte dell’oro che aveva acquistato le opere immateriali), ritrovato a Cascia nel santuario di santa Rita.
Ma dalle informazioni della mostra emerge un altro episodio, minore ma significativo – e questa volta decisamente infausto e persino imbarazzante. Nel 1961 Klein incappò in una produzione cinematografica italiana, ideata dal giornalista e documentarista Gualtiero Jacopetti. Il giornalista riuscì a conquistarsi la fiducia dell’artista e filmò la performance di una Antropometria. Quando Klein assistette alla prima del film Mondo cane al Festival di Cannes del 1962 si trovò di fronte ad un gretto travisamento del suo lavoro, presentato come una frivola bizzarria. Il delicato e personalissimo percorso artistico-filosofico di Klein incappò in un’operazione di tipo ironico-reazionario di italica fattura, volta a leggere la contemporaneità come un ammasso di eccentricità ora risibili ora deprecabili (un film che aprì la strada ad un filone anche più deteriore che ebbe un certo seguito di pubblico negli anni ’60 e ‘70, i Mondo Movies o documentari shock). Fatto sta che, all’uscita della proiezione, Klein ebbe un primo attacco cardiaco e poche settimane dopo, il 6 giugno 1962, morì a soli 34 anni. Per questo la bella mostra genovese, oltre a offrire materiali e argomenti per una nuova riflessione sull’avanguardia che è diventata storia, a cinquant’anni dalla morte di Yves Klein è anche una tardiva riparazione.
(Lorenzo Perrona, "Corriere del Ticino", 4-8-2012)
Leggere e Scrivere a Siracusa
Sicilia Contemporanea
corsi di lingua, scrittura e cultura
di Lorenzo Perrona
Siracusa
venerdì, ore 16-18
sabato e domenica, ore 9-12 e 14-16
Come nasce l’immagine del “Meridione arretrato”?...
Leonardo Sciascia e la mafia: i romanzi della paura...
Latin lover. Cosa pensa Brancati del maschio siciliano?...
Verga e Visconti; Pirandello e i fratelli Taviani; Brancati e Rossellini: quando ci si mette di mezzo il cinema...
Perché Franca Viola non si è voluta sposare?...
A pensarci bene, la Sicilia è sempre protagonista della cultura contemporanea. Leggendo scrittori come Verga, Pirandello, Brancati, Sciascia, Bufalino, Consolo, Dacia Maraini, Beatrice Monroy entriamo nel vivo della scrittura e delle idee, e ci confrontiamo con loro per chiarire le esigenze del nostro mondo contemporaneo.
Partecipare ai corsi di Sicilia Contemporanea significa essere guidati in un’esperienza dentro la lingua e la scrittura: a seconda dei livelli di competenza, i corsisti stranieri si immergono nella lingua e nella cultura italiana; i corsisti madrelingua e di livello avanzato prendono attivamente parte a una palestra di scrittura.
I corsi si svolgono a Siracusa il venerdì, sabato e domenica. Sono pensati anche come momenti di incontro e di convivialità, e sul tema del libro saranno effettuate visite a biblioteche e librerie di Ortigia.
I corsi di Sicilia Contemporanea terranno conto di ciò avviene in città, affiancandosi agli appuntamenti culturali di Siracusa, le rappresentazioni classiche dell’INDA, l’Ortigia Film Festival, l’Ares Festival, il Museo Archeologico "Paolo Orsi", ma anche il patrimonio culturale del territorio del Sud-Est (l’urbanistica tardo-barocca di Noto, il parco archeologico di Eloro e la Villa romana del Tellaro).
Lorenzo Perrona è critico letterario e traduttore (ha pubblicato su “Nuovi Argomenti”, “Corriere del Ticino”, e con le case editrici Le Lettere, Jaca Book, Mursia, Rodopi, Monash University e-Press) ed ha una vasta esperienza di insegnamento nelle scuole in Italia, Svizzera e Australia. Ha conseguito il dottorato di ricerca presso la Section d'Italien di Losanna.
“Se leggi è innanzi tutto per il tuo piacere. Poi scatta il desiderio, e cominci a scrivere”.
lorenzoperrona@gmail.com
siciliacontemporanea.blogspot.it
3477343937 (ore pomeridiane)
corsi di lingua, scrittura e cultura
di Lorenzo Perrona
Siracusa
venerdì, ore 16-18
sabato e domenica, ore 9-12 e 14-16
Come nasce l’immagine del “Meridione arretrato”?...
Leonardo Sciascia e la mafia: i romanzi della paura...
Latin lover. Cosa pensa Brancati del maschio siciliano?...
Verga e Visconti; Pirandello e i fratelli Taviani; Brancati e Rossellini: quando ci si mette di mezzo il cinema...
Perché Franca Viola non si è voluta sposare?...
A pensarci bene, la Sicilia è sempre protagonista della cultura contemporanea. Leggendo scrittori come Verga, Pirandello, Brancati, Sciascia, Bufalino, Consolo, Dacia Maraini, Beatrice Monroy entriamo nel vivo della scrittura e delle idee, e ci confrontiamo con loro per chiarire le esigenze del nostro mondo contemporaneo.
Partecipare ai corsi di Sicilia Contemporanea significa essere guidati in un’esperienza dentro la lingua e la scrittura: a seconda dei livelli di competenza, i corsisti stranieri si immergono nella lingua e nella cultura italiana; i corsisti madrelingua e di livello avanzato prendono attivamente parte a una palestra di scrittura.
I corsi si svolgono a Siracusa il venerdì, sabato e domenica. Sono pensati anche come momenti di incontro e di convivialità, e sul tema del libro saranno effettuate visite a biblioteche e librerie di Ortigia.
I corsi di Sicilia Contemporanea terranno conto di ciò avviene in città, affiancandosi agli appuntamenti culturali di Siracusa, le rappresentazioni classiche dell’INDA, l’Ortigia Film Festival, l’Ares Festival, il Museo Archeologico "Paolo Orsi", ma anche il patrimonio culturale del territorio del Sud-Est (l’urbanistica tardo-barocca di Noto, il parco archeologico di Eloro e la Villa romana del Tellaro).
Lorenzo Perrona è critico letterario e traduttore (ha pubblicato su “Nuovi Argomenti”, “Corriere del Ticino”, e con le case editrici Le Lettere, Jaca Book, Mursia, Rodopi, Monash University e-Press) ed ha una vasta esperienza di insegnamento nelle scuole in Italia, Svizzera e Australia. Ha conseguito il dottorato di ricerca presso la Section d'Italien di Losanna.
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